- ARTE: Acto mediante el cual,
valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material
o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos
denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea
exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. El
artista para crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de
la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos
por medio de palabras, formas, colores y sonidos.
- ARQUITECTURA:
En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con
un programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así
podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma
tiene un sólido fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta
razón se dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la
voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado
de todos los elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones
que se entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo
circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el
espacio, transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura
logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra,
pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.
- ESCULTURA:
La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales,
sean volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que
predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo
recorren, cuando se emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas,
cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera forma es la tradicional, la
segunda se desprende del carácter que tiene la escultura de vanguardia, pero
ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional crea formas
volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera
y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la
madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve
lo que aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales
utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de acero,
filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos variados.
- PINTURA:
Arte que representa en superficie plana cualquier objeto
real o imaginario por medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos
del arte humano son dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta
dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres.
Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se
aplica a paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando
ha sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre
una tela. La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la
acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el
procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel;
pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella
se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se
usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.
- ARTES
VISUALES: En su sentido más general, son las que se
relacionan con la impresión e ilustración, las que se expresan por medio de
gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se representan sobre una
superficie plana. Las Artes Visuales tienen como función el comunicar lo que el
artista desea expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a los
elementos compositivos como a los principios compositivos, para que la obra en
sí resulte agradable y de buen gusto para quien la observe.
| 2. EL ARTE EN LA HISTORIA - ORIGEN DEL DIBUJO |
Desde la prehistoria el hombre
trató de reproducir en las paredes de las grutas las formas de los animales que
había observado, logrando representar sus movimientos, la masa y la forma de los
cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el ser
humano, que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los
veían. El hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la impresión que
le transmite un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien por
medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo
sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de la luz; este
último modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeya y en los
artistas del Renacimiento italiano, como Leonardo De Vinci. En términos
generales, este arte se ha desarrollado en función de las condiciones de
existencia de cada época, de cada cultura y de los progresos y conocimientos
acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas.
| 3. EL ARTE EN LA HISTORIA - EL DIBUJO ARTÍSTICO |
Es la representación de un
objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una
abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma,
puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad
luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie
plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También,
debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es
un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la
línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la
limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en
la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El
dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su
fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.
| 4. EL ARTE EN LA HISTORIA - INSTRUMENTOS Y SOPORTE UTILIZADOS |
Las técnicas del dibujo son
diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más
utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel,
el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o
ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando
buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas
primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando
pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos
negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de
arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con
jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera,
piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para
después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que
al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una
reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos
emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la
encaústica en retratos.
En el arte de la Edad Media se
destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados
en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de
tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y
mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo,
adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco,
aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es
un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros,
fue muy utilizado.
Las técnicas pictóricas
empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas
dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de
las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se
hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con
aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de
aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el
método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas
sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se
dejaba secar el exceso de aceite.
| 5. EL ARTE EN LA HISTORIA - PREHISTORIA |
ÉPOCA PALEOLÍTICA:
Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres.
Estas pinturas se han localizado en diversas
regiones del mundo,
generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes
dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura
cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron
realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban
eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran
líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la
cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente.
A
esta primera fase del arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense, en esta
fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de
perfil y las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la
Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color
y los perfiles aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada
Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa
una asociación de la figura humana con la figura animal en las representaciones,
hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo. Hacia
finales del Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la
esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
PINTURA:
Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de
la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han
localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas
y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión de una
cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico-religioso porque se presume
fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que
pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el
principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las
paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia
finales del Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la
esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
ESCULTURA:
Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras
femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el
culto a la fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las
más conocidas tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi.
ARQUITECTURA:
En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden
importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de
enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por
bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir,
Trilito, Dolmen y Cromlech.
| 6. EL ARTE EN LA HISTORIA - ARTE EGIPCIO |
La pintura egipcia posee una
sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un
mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se
observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio
compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y
contemplativa. Con respecto a la representación de la figura humana, esta se
caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza,
brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca
la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.
Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías.
Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que
ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
ARQUITECTURA:
Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la
arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran por su grandeza,
hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se
destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas (imagen),
Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
PINTURA:
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de
religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las
formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen
atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura
humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad:
cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se
destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.
Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías.
Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que
ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
ESCULTURA:
A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en
cada una, por causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la
inspiración naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se destacan:
el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti,
los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.| 7. EL ARTE EN LA HISTORIA - ARTE GRIEGO |
Floreció entre los siglos VII y
II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los
griegos. Se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio
de los elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura
humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo,
tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas
artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la
escultura y la arquitectura.
El arte griego comienza
aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el
mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de
elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una
pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país
nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal
modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la
filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.
ARQUITECTURA:
En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento
sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de
construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los
templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los
propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los
monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a
los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
MATERIALES
UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el
mármol, el cual pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.
ESCULTURA:
La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El
escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la
perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza
física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la
divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La escultura griega
pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características propias en
cada una de ellas. Estas son:
-
Arcaica:
Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo
y una técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio
estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas
de movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa
sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son de esta
época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella
vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc.
-
Clásica:
esta época significó el período de mayor auge en todas las
manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de
sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la
magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2 períodos: el estilo
Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el
estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos estilos
tenían características propias.
-
Helenísta:
esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma
modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de
realización, entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere
caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo
episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este período surgen
diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela de Pérgamo, la de
Rodas y la de Alejandría.
PINTURA:
Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de
conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de
realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra
se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan
una idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de
Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles.
CERÁMICA:
Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en lo que
a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución
de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas
variadas y originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en
franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño,
presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras,
predominan formas animales y humanas.
| 8. EL ARTE EN LA HISTORIA - ARTE ROMANO |
Resulta de las influencias
etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se
desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de
C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más
variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así,
su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus
mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el
dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales.
Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas,
naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos corrientes
pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana,
resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico -
Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se
cultivan el paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de
nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación,
alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de
labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron mayor interés
por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello
utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por
preocupación fundamental mantener el dominio sobre los territorios colonizados,
para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes
que apretó los lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una
gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de formas
arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes
realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es
haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del mundo
conocido.
ARQUITECTURA:
Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades
privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano,
que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es
monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y
el peso del tiempo. Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo
que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de
uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a su dominio
asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos
sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el
arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el
templo, la basílica, las termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA:
Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi
central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente
en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores
helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras
descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista.
El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período
republicano.
PRINCIPALES
CARACTERÍSTICAS:
Creada con un destino utilitario que se cumple en su
función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía
supeditada a exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con
preferencia el retrato llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es
un arte naturalista. Es una obra anónima.
PINTURA:
La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de
Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia
picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos,
mitológicos paisajísticos y marineros. También en ciertos períodos se hizo una
pintura arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo interesante
de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con
brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas
toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo
que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.
-
ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es
decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa
un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la
fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que
toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha
denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa
los idiomas derivados del latín.
ARQUITECTURA:
Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios
y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el
ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto
de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser
estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada.
El principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra peso.
Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada más
que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la estructura. Otros
elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.
ESCULTURA:
Está subordinada a la arquitectura, que determina los
lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no
es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades
sagradas para su instrucción religiosa. Estilización y desproporción: las
figuras no guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida
perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a la diferente profundidad a
que están las figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño significa la
importancia del personaje. Composición simétrica: las escenas se componen,
guardando una relación simétrica. En los tímpanos, la composición tiene siempre
como eje la figura de Cristo.
PINTURA:
La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas
extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello,
también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de
perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las
figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada
asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de
Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las
iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de
significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas
pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.
| 9. EL ARTE EN LA HISTORIA - EPOCA MEDIEVAL |
El
arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras
maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya
que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el
primero fue llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas,
está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos
mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos,
figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la
época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características
propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la
representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las
figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están
colocadas de frente. El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo
"romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar
el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre
ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y
colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al
temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos,
etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones
de biblias y evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico,
conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la
clase burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización. La pintura
gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus
composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos
las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi
desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales
llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros,
tapices y retablos.
- ARTE GÓTICO
Entre los siglos XII y XV,
florece en Europa un arte poderosamente original, que fue llamado, un tanto
despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus
creadores habían sido los pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa, y
a los cuales se les designaba con el nombre de Godos. También se conoce este
arte como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que
recuerdan una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se
levantaron cerca de París, en la región llamada Isla de Francia. Aquí se
construye en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se
da comienzo a la catedral de Nuestra Señora de París, obras en las que se
resaltan los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás
países de Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con
mantenimiento de sus rasgos esenciales.
FASES DEL
GÓTICO
- LANCEOLADO (siglos XVII y
XVIII)
Robusto, pesado y sencillo.
Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza.
- RADIANTE (siglos XVIII y
XIV)
Esbelto, ligero, muy adornado
con esculturas, bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo
XV)
Arcos con ondulaciones de
flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y torres. Ornamentación
escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda en forma de
estrella.
ARQUITECTURA:
El arte gótico se manifestó magníficamente en la arquitectura, se construyeron
casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas
e iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral,
arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla. Los
elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería
ojival y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio
dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que produce una impresión de
impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los arcos y la abundancia
de elementos puntiagudos.
ESCULTURA:
Las características de la escultura se pueden observar en los santos, vírgenes,
ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior
de la construcción, haciendo de remate en pináculos, cubriendo los frisos y las
arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios posibles. Para dar idea de la
decoración escultórica, bastará saber que la decoración escultórica de la
catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como
escultores: Giovanni Pisano, Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de
Siloe y William Torell.
PINTURA:
En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura
mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del
siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares
portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas
religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero sin
profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen
gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo más
hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de
esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden,
Giotto, entre otros.
| 10. EL ARTE EN LA HISTORIA - ARTE BIZANTINO |
Bizancio,
pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia romana, asciende de
repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande, al rango de capital
imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador
Teodosio divide su reino entre sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes:
el Imperio de Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con
centro en Bizancio. La caída del Imperio de Occidente (año 476) echa sobre
Bizancio la herencia espiritual de Roma y acrecienta su importancia como poder
político y artístico, que le llegará a su cúspide con el glorioso Justiniano.
Pero la situación geográfica de Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento
de las fuentes latinas y el contacto estrecho y continuo con los reinos de
oriente, influyen sobre ella en forma que si, por una parte, mantiene su título
de hija y continuadora de la cultura clásica, por otra, Bizancio ofrece los
rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara,
cuyas costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al
grecolatino, lo cual se refleja en su arte.
ARQUITECTURA:
Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en
contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por
eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los
griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención.
Entre los más importantes tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda,
el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más
importante de la arquitectura bizantina es la Iglesia. (imagen
Catedral de Santa Sofia - Estambul)
PINTURA:
Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración
del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre
tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al
óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, con un
carácter simbólico que agradaba mucho a la mentalidad abstracta del oriental. En
los grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se representaban escenas
alegóricas en las que entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio
Final, la Gloria, etc.
LOS MOSAICOS:
No es posible hablar del arte mural bizantino sin referirnos a una de sus más
hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la composición de grandes escenas,
generalmente religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de
cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una
base debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las
figuras que se querían representar. La gran diversidad de colores y matices de
estas teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo
que se refiere a tonalidades, sombras, formas, etc.
ESCULTURA:
En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una
prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran vigor. Pero
después de la revolución de los iconoclastas, que acabaron con todas las
imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la escultura
perdió importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil, el esmalte,
el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran
maestría.
| 11.EL ARTE EN LA HISTORIA - EL RENACIMIENTO |
El Renacimiento comenzó como un
movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del
Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el
punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de
vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a
Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se
perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del
Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de
la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la
belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven
plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los
grandes conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación
que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En
el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les
gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas
cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la
profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana
sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las
referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes
alusivas a la carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas
decorativas, donde el artista tenía más libertad de expresión; ya en el siglo
XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre
los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus
majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti,
Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos,
algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que
a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están
plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también
se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz
difusa.
Se llama Renacimiento al gran
movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer
lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal característica, que se
manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad
clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este
movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina.
Comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia,
bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos
representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los
vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un
servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en
alabanza a la belleza.
La cuna del Renacimiento fue
Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia
gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La
cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En esta época
lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas
concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge,
debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que emigran a esta
ciudad después de la caída de Constantinopla; es así como al ser rechazado el
estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas
greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa
(Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica, especialmente).
PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO
- Conservación en
universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de autores griegos
y romanos.
- Uso del latín como lengua
culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.
- La presencia en tierra
Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los curiosos el deseo de
conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
- La invención de la imprenta,
que contribuyó a la difusión de los escritos de los poetas, filósofos y sabios
de la antigüedad y de los modernos.
- Los descubrimientos
geográficos, el avance de las ciencias naturales y el progreso de las técnicas
que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia humana y
estimulan a la acción.
CARACTERÍSTICAS
GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de la arquitectura
y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza
ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y
el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya
claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una
validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO:
siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo.
- QUATROCENTO: llega hasta
finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.
- CINQUECENTO: llena todo el
siglo XVI y su cabeza es Roma.
ARQUITECTURA La
arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y
dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y
como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y
originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo
"colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer
arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura civil,
construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza,
el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su
exterior forma de cubo con tres pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas,
que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con
terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa
renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin
embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que
desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas
circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos que los muros
son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron:
las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan
arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares,
gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar
saliente, o en forma de tabernáculo.
En lo que respecta a la
decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se emplearon varios
elementos, estos son:
- La Escultura: cubre toda la
superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus inicios; luego se
realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico,
posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por completo el
conjunto lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural:
consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los cuales al ser
combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol
blanco de las paredes con la piedra de los muros.
- El Esgrafiado: consiste en
realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos:
llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción, se empleó una
diversidad de tonos, los cuales los hacía muy llamativos.
- Los Frontones: son de
inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas, generalmente
son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas
que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus orígenes en la
arquitectura romana.
ARQUITECTOS
RENACENTISTAS
- ITALIA: Filippo
Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel
Buonarroti.
- ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan
Herrera.
- FRANCIA: Salomón de Brosse.
ESCULTURA
El origen de la escultura
renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola
Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral.
Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad
bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda
aislada.
Es en los siglos XIV y XV,
donde se comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta
época se advierte:
Vehemencia por la naturaleza y
el desnudo idealizado o natural.
Expresión de los sentidos y
pasiones humanas.
Reinterpretación modernizada de
los cánones clásicos.
Temáticas diversas: mitología,
religión, historia, leyendas, etc.
La escultura renacentista es el
primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta
variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo
XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo
XVI, Época Barroca.
| 12. EL ARTE EN LA HISTORIA - SIGLO XIII EPOCA ARCAICA |
Surgen los primeros intentos
del nuevo estilo escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni y
Andrea Pisano.
Entre las características de
estas primeras obras tenemos:
Expresión de sentimientos
humanos.
Inspiración en la antigüedad
clásica.
Realización de "Madonas".
Ropaje y accesorios
profusamente trabajados.
| 13. EL ARTE EN LA HISTORIA - SIGLO XIX Y XV EPOCA CLASICA |
Durante estos siglos existe
una gran producción de obras de arte. La actividad artística se encuentra
centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales
representantes son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe
destacar la importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della
Robia, Andrea y Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva
modalidad escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido
policromado y vidriado.
Las características de esta
época son, entre otras:
Adornan monumentos (tribunas,
coros, sepulcros, etc.)
Diversificación temática.
Efectismo pictórico.
Gran destreza en la ejecución
de obras hasta llegar al perfeccionismo.
| 14.EL ARTE EN LA HISTORIA - EPOCA BARROCA |
Durante este siglo la figura
más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con
características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma
época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales
características de estas obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo,
dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante
vitalidad.
Demostración de gestos y
actitudes en sus figuras.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol
preferiblemente.
PINTURA
La pintura renacentista está
plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en
donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
Durante el renacimiento surgen
diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan,
entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de
Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se
agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y los
del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy utilizada para caracterizar
las obras pictóricas del renacimiento, la cual es:
Renacimiento Temprano: que
abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes más
significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della Francesca y
Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas.
Alto Renacimiento: que
comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el cual
se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo
Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y
el Greco.
CARACTERÍSTICAS
DE LA PINTURA RENACENTISTA
Es narrativa: expone historias
y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la
historia.
Es realista: las figuras
humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor
cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
El cuadro se presenta como un
escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la
perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El
punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro.
La composición está sometida a
esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica
en la distribución de las figuras.
En cuanto a los esquemas de
composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el
rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos,
los triángulos son dos combinados.
En general, es una pintura
dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y
considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria.
Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo
es absoluta.
Se da interés preferente al
cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia
cuidadosamente.
A partir del siglo XV, se usará
en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos,
que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
EL DIBUJO Y EL
GRABADO
Los grandes pintores del
renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que
conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se
destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo
del lápiz. El que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a
través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno
de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como
técnica independiente, con valor por sí misma, no fue considerado en la época,
quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes
rápidos del natural o hacer estudios de composición, perspectiva, movimiento,
anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear
eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el
dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio el
grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una
técnica autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el
grabado en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya
difusión contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450.
-
BARROCO
Este
estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo
XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando características
propias en cada país. En este arte hay una marcada predilección por el
naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de
naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose
dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del
pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase
social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos
estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura
barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo
del color.
En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el
Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de
Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude
Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado
magistralmente por Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán,
José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco
generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes
y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la
Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes
personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
Este arte se desarrolló entre
los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma,
concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura.
De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España,
el Barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el
siglo XVIII.
ARQUITECTURA:
Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y
el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales
que enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el
de Versalles, consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo
central contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis
de gran valor artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las
galerías, que son salones largos, abovedados y con ventanales, y la escalera "a
la imperial".
PINTURA:
En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los
efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones,
animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas
asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con
sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más
adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros,
etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de
las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se
produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista,
en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en
Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain;
en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por
Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y
Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas:
la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada
por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual
produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van
Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
ESCULTURA:
La escultura barroca muestra las siguientes características:
MOVIMIENTO:
las figuras se representan en alguna acción violenta y en actitudes de esfuerzo
y tensión. Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan en
pliegues que revolotean como sacudidos por el viento.
PATETISMO:
gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como: éxtasis, miedo,
ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más vivo verismo.
CLAROSCURO:
se buscan efectos propios de la pintura, de manera que los
cuerpos se perciben como envueltos en una atmósfera luminosa.
TEATRALIDAD:
existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes
elocuentes que hacen de ella una representación dramática.
|
-
EL ROCOCÓ
|
Ampliar Arte Rococo |
Estilo
característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al
neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo
XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El
Rococó floreció principalmente en Francia, en un principio junto con el barroco,
hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras
la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos
decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero
fue sobretodo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores
logros.
ARQUITECTURA:
Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las
grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo,
introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para
evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo
campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos
caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc.
ESCULTURA:
Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil desprenderse de
él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie
ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el
movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco afectaba solamente a la
concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada como un detalle para
dar vida a cada pormenor de los cuerpos.
PINTURA:
El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad,
favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo.
Este hubiese carecido de gracia
sin el realismo, y por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca,
especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes
necesidades decorativas de un palacio, sino que se halla entre los nobles y
burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las composiciones
históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse
retratar caracterizados como personajes de fábula.
|
-
NEOCLASICISMO
|
Ampliar Neoclasicismo |
Fue
un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya
agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que
aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica,
el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es
decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento. Este arte
trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la
influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano.
En pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó
con pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos
ya apuntaba el germen del Romanticismo, movimiento estético que habría de
suceder al neoclasicismo.
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
Inspiración en las obras de la
época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas. Aspiración a una
belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según medidas dadas
por la razón.
En las artes plásticas: dibujo
impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de
redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática.
ARQUITECTURA:
Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un
solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca);
además del énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la
fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de
triunfo y las columnas conmemorativas.
ESCULTURA:
Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos
técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el más destacado,
seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma; otros representantes de la época
son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros.
PINTURA:
Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El
artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David,
quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En
E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron.
-
ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios
del siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo.
Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era
imaginación, pasión e infinito.
CARACTERÍSTICAS
PRINCIPALES
SUBJETIVIDAD: el artista crea
su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas.
LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay
reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su gusto y según
las exigencias de la propia obra.
SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA
FORMA: lo importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace. La forma de
decir es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza del contenido.
PINTURA:
Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones
dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la
historia medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el
campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix, Francisco de Goya y Caspar
Friedrich.
(imagen: Delacroix
La Muerte de Sardanapolo 1827-1928 Parìs Museo de Louvre)
ESCULTURA:
El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y representó
una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad y
eclecticismo absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a
favor de los ideales medievales.
-
REALISMO
El realismo surge como
oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad
objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su
ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda
inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que
apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal
representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó las inquietudes
sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.
CARACTERÍSTICAS
GENERALES
Temas sacados de la vida real,
sobre todo de la vida humilde y trabajadora, expuestos con sentido de crítica
social.
Presentación de lo bello y lo
feo como son, sin idealizarlos.
Dibujo vigoroso, aunque no sea
correcto; colorido sobrio e interés por los contrastes del claroscuro.
Técnica: la que proporciona la
más completa identificación entre lo pintado y la naturaleza.
Representantes:
Courbet, Daumier y Rousseau.
- IMPRESIONISMO
La
primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874
y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos
que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar
la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través
de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la apariencia de
estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado
del nuevo análisis científico de los colores.
El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que a
nivel cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a
otra azul, da por resultado un color verde si se miran desde cierta distancia.
Este principio lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus
lienzos. La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre
la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así
las figuras. Se consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude
Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y
Camille Pizarro.
El manejo de la luz es la característica primaria, a través del estudio de ella
se logrará verificar que un mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la
hora del día en que se pinte. A la par de los grupos impresionistas, nace un
nuevo grupo de pintores que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades
colorísticas impuestas por este movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas
o Postimpresionistas, destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent
Van Gogh y Henri Toulouse Lautree. (imagen
Renoir - Almuerzo de los Remeros)
- EXPRESIONISMO
Fue
un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890 en
Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el
siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch,
Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges
Rouault.
La pintura expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de
dentro hacia fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia
dentro. Su objetivo fundamental era crear impetuosas reacciones en el
espectador, por medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con
audacia de formas y rígido colorido.
(Imagen:
El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro
Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez
más compleja y confusa.)
-
FAUVISMO
En
1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo,
los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas
eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero
como estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo
y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX.
El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes pinceladas de Van
Gogh; de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos de
Gauguin, y del desprecio que ambos demostraron por las cualidades académicas
formales de la composición. Henri Matisse, primera figura del grupo original
fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja presente la intensidad
fauvista del colorido, aunque usado con resultados bastantes diferentes, ya que
naturalmente se considera al rojo como color brillante que produce gran
excitación y en este cuadro el efecto de la composición da una sensación de
profundo reposo.(imagen
Henri Matisse: La Danza (1909))
-
CUBISMO
Este
movimiento artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el
mundo. Se inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges
Seurat; su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero
fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se
representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo
de simultaneidad de planos.
Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra
era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos. El
color fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al
dibujo. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética
y simultánea del objeto. Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a
importantes personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el
cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando
Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tendencia en nuestro
país.
(imagen:Pablo
Ruiz Picasso (1881-1973) Las Señoritas de Avignon)
-
FUTURISMO
Fue
un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su
propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida
desde fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo
antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos.
El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la
velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida
moderna. El símbolo más venerado por los futuristas era el automóvil de
carreras; en esencia la pintura futurista era retrato del movimiento relacionado
con el cubismo analítico por su fragmentación, pero así como el cubista ve un
objeto estático desde varios ángulos moviéndose alrededor de él, en el futurismo
el espectador está quieto mientras el objeto se mueve. Por tanto, en el dibujo,
la representación futurista del movimiento simultáneo de un perro que trota por
la calle, puede tener veinte patas y seis colas, con efecto parecido al de una
larga exposición fotográfica de algún objeto que se mueve.
- SURREALISMO
Este
movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su
manifestaciones son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul
Klee, Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy
(imagen) ,fueron sólo algunos de los artistas que tomaron parte activa en
el grupo de los pintores surrealistas.
El Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y
del concepto de espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al
artista para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el
psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el
surrealismo supo dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la
intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue
el de 1924 a 1928. Como ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos
objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los
surrealistas no era "hacer arte", sino explorar posibilidades.
-
ABSTRACCIÓN
Este
arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales,
deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por
encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad,
llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para
entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.
El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la nueva pintura
del ruso Wassily Kandinsky (imagen Abstracción Geométrica)
en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y
colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período
prehispánico, etc., se puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta
tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la
belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las
obras abstractas. El Abstraccionismo tiene dos corrientes: la Abstracción
Lírica, que se refiere a las composiciones donde el artista parte de su
intuición para expresar, por medio de color, sentimientos, ideas, etc., y la
Abstracción Geométrica, que se refiere a las composiciones en donde el artista
trabaja con figuras geométricas como el círculo y el cuadrado, y con líneas que
partiendo de colores planos las hacen ser obras totalmente estáticas.
BIBLIOGRAFÍA
READ, Herbert.
Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp.
WENTINCK, Charles.
La Figura Humana en el arte, desde los tiempos prehistóricos hasta nuestros
días. Ediciones Abbott Universal. Holanda. 160 pp.
PELLICER, A. Cirici.
Teoría, Técnicas e Historia del Arte. Enciclopedia Labor. Vol. 8. Editorial
Labor S.A. España. 1961. 552 pp.
QUILLET, Arístides.
Nueva Enciclopedia Autodidáctica. Tomo III. Editorial Quillet S.A. México. 1968.
52
No hay comentarios:
Publicar un comentario